De la utopía a la eficaciología

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14-12-14(3)Esperamos que no sea una utopía el querer honrar la Eficaciología con la que se nos ha definido.

La Escuela de Música Luisa Cáceres de Arismendi nace el año 2009 en condiciones difíciles para su desarrollo. Esta situación fue considerada una ventaja para mí como director porque se originó  el momento propicio en el que definitivamente tuve que reflexionar de manera profunda sobre mis capacidades a nivel personal, profesional y espiritual para definir y dibujar un nuevo pentagrama  basado en el aprendizaje de las vivencias y conocimientos acumulados en el transcurrir de mi vida.

Es por todo esto que doy gracias a Dios, a toda mi familia, al apoyo de colegas y especialmente a Nathalia mi gran apoyo que de manera decidida me han acompañado en la utopía de construir una institución sin financiamiento y con muy poco mobiliario para desarrollar el trabajo pero con el enorme convencimiento de que cuando los objetivos son claros, todo se puede alcanzar.

En el transcurrir del tiempo  para lograr superar las dificultades tenemos mucho que contar pero para resumir podemos nombrar la estructura de nuestra organización y comienzo diciendo que dentro de la escuela de música tenemos la Orquesta Típica Luisa Cáceres de Arismendi que nos proporcionó el hoy popular nombre “Otilca”, también la Revista, Radio, Kinder Musical, Educación musical regular, Pequeños Mozarts, La Orquesta Augusto Fermín, Educación musical para adultos, plataforma web, las distintas cátedras y fundamentalmente la cristalización de nuestro programa social Otilca Salud en el que agradecemos desde muy cerca a toda la comunidad a través bondades de la música.

Me he permito utilizar y a la vez agradecer el neologismo “Eficaciología”, propuesto por el maestro Ángel Marino Ramírez en su espacio “Ensayando con las letras”, en el que define a Otilca como un proyecto el cual nos infiere el estudio y la búsqueda de la eficiencia en pro de un objetivo. Son definitivamente palabras que halagan un humilde trabajo equipado principalmente por el amor. Aprovecho este espacio también para sumar mi gratitud a la grandes personalidades de la cultura insular que día a día se enfrentan como nosotros a la dura crisis económica pero principalmente a la falta de claridad en la dirección y cohesión que debe tener el arte como herramienta para el desarrollo de nuestro país.

Quiero finalizar acotando que Otilca es un proyecto nacido en Margarita y tenemos el orgullo de sentirnos respaldados por el sentimiento Guaiquerí, reiterando el más profundo agradecimiento a mi equipo de trabajo, a los integrantes de los distintos programas, madres, padres, representantes, la comunidad de La Cruz Grande, medios de comunicación y a todos los que han creído en nuestra utopía.

Gracias a las dificultades porque han sido el motor que ha generado las estrategias de fortalecimiento para hoy día tener el orgullo de contar “Cinco Años de Melodías”.

Por Samuel González Castrillo @sgcastrillo

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Pitágoras y Mozart: ¿qué tienen en común la matemática y el arte?

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La raíz del estudio pretende establecer que existe una base neurobiológica para la belleza, que en este caso, para los matemáticos podrían ser las ecuaciones.

La raíz del estudio pretende establecer que existe una base neurobiológica para la belleza, que en este caso, para los matemáticos podrían ser las ecuaciones.

Ciencia

BBC Mundo, @bbc_ciencia

¿Pueden las precisas y hermosas melodías de las “Las bodas de Fígaro”, de Mozart, tener la misma impresión de belleza en el cerebro que la fórmula matemática de la teoría de la relatividad de Albert Einstein?

Parece que sí. Una investigación realizada por científicos de la Universidad de Londres reveló que una compleja cadena de números y letras en una fórmula matemática puede evocar las mismas sensaciones de belleza que una obra maestra de la música.

El estudio consistió en ubicar delante de matemáticos lo que eran consideradas ecuaciones “feas” y “bellas” y allí se pudo observar, mediante el uso de escáner conectado al cerebro, que al mirar las ecuaciones consideradas sublimes tenían la misma reacción neuronal que al apreciar una obra de arte.

Los investigadores sugirieron, basados en estos datos, que es posible que exista una base neurobiológica de la belleza.

Todo esto porque raramente se expresa de igual manera el gusto por la fórmula de la identidad de Euler o el teorema de Pitágoras como se hace cuando se escucha lo mejor de Beethoven o se observa un cuadro de Van Gogh.

clicLea: Cómo componer música con ondas cerebrales

Fórmulas estéticas

Identidad de Euler
La Identidad de Euler, fue calificada como una de las fórmulas más “bellas”.

Para realizar el estudio, publicado en la publicación académica Frontier, se le entregaron a 15 matemáticos 60 fórmulas para calificar su estética.

“Un gran número de áreas del cerebro están involucradas cuando observas una ecuación matemática, pero cuándo les pides que las califiquen por su belleza, la parte emocional del cerebro se activa, como si estuvieras viendo una pintura”, le dijo a la BBC el profesor Semir Zeki, que formó parte de la investigación.

Entre más bella calificaban la fórmula, más actividad era registrada en las imágenes de resonancia magnética (MRI, por sus siglas en inglés) que se tomaban en esos momentos.

“La neurociencia no puede afirmar que tan bello es algo, pero si se logra involucrar la parte medio orbito-frontal del cerebro, como sucede con los matemáticos y las ecuaciones, se puede encontrar belleza en todo”

Semir Zeki, investigador

“La neurociencia no puede afirmar que tan bello es algo, pero si se logra involucrar la parte medio orbito-frontal del cerebro, como sucede con los matemáticos y las ecuaciones, se puede encontrar belleza en todo”, afirmó Zeki.

La identidad de Euler

A simple vista tal vez la fórmula de la identidad de Euler no sea muy “linda” o “artística”, pero en el estudio fue la mejor calificada por los académicos.

Para el profesor David Percy, del Instituto de Aplicaciones de la Matemática de Reino Unido, ésa es su favorita.

“Es un verdadero clásico y es posible que no se pueda hacer algo mejor que eso”, dijo Percy.

Y añadió que “combina de manera increíble las constantes más importantes de la matemática: cero (identidad aditiva), uno (identidad multiplicadora), i y pi (los números transcendentales más comunes) y el último que es i (el número imaginario)”.

Para Percy lo que hay que tener claro es que el impacto al observar estas ecuaciones no es inmediato, sino gradual. Como con una composición musical, que después de escucharla varias veces es que se puede apreciar su potencial real.

“Su estética ha sido fuente de inspiración y te da el entusiasmo para encontrar cosas nuevas”, concluyó Percy.

Belleza innegable

Para el matemático Marcus Du Sautoy es innegable la belleza de las matemáticas y que eso es lo que inspira a cada uno de los matemáticos en su trabajo.

El físico teórico Paul Dirac afirmó en alguna ocasión: “Lo que hace tan aceptable la teoría
de la relatividad es la belleza de su simpleza, que solo los matemáticos podemos apreciar”.

“Amo las cosas que Pierre de Fermat hizo. Él demostró que cualquier número primo que se puede dividir por cuatro y sobra uno, fue la suma de dos números cuadrados”, señaló Du Sautoy.

Por supuesto, puso un ejemplo: “Veamos, 41 es un número primo que al dividirlo por cuatro y sobra uno, es igual a la suma de 25 (cuadrado de cinco) más 16 (cuadrado de cuatro). Lo que nos recuerda que es una cifra que se puede escribir en dos números cuadrados”.

Du Sautoy aclaró que es inesperado que en matemáticas estas dos cosas (números primos y cuadrados) tengan algo en común, pero sirve como prueba de cómo dos ideas separadas se van mezclando al igual que en una composición musical las notas se van juntando.

“Pero lo placentero es el camino que recorres para estudiarlo o para crearlo, como en un cuadro o una composición, no basta con la interpretación o la exposición en un museo”, concluyó.

En el estudio, los matemáticos calificaron la serie infinita de Srinivasa Ramanujan y la ecuación funcional de Bernhard Riemann como las más “feas”.

Nota original de BBC MUNDO

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Mensaje de la UNESCO con motivo del Día Mundial de la Radio

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El Día Mundial de la Radio celebra un medio que ha transformado la forma en que nos comunicamos y que sigue estando en la vanguardia en el siglo XXI. El 18 de diciembre de 2012, la Asamblea General de las Naciones Unidas hizo suya la resolución aprobada en 2011 por la Conferencia General de la UNESCO, en la que se proclamaba el 13 de febrero Día Internacional de la Radio, por ser el día en que se creó Radio ONU en 1946.

El nacimiento de la radio en el siglo XIX abrió las puertas a la era de las comunicaciones modernas. El mundo ha cambiado muchísimo desde entonces, pero la radio apenas ha envejecido. Continúa siendo fácilmente accesible, relativamente barata y muy sencilla de utilizar. Sigue siendo el medio por excelencia, ya que puede transmitir cualquier mensaje a cualquier lugar en cualquier momento, incluso sin electricidad. En situaciones de conflicto o desastre natural, la radio de onda corta proporciona una vía de información que puede salvar vidas.

La radio se ha sumado a la revolución digital para ampliar su poder y su alcance. En todo el mundo, los costos de emisión se están reduciendo y el número de emisoras de radio está aumentando. El periodismo ciudadano y los medios comunitarios utilizan las emisoras de radio en línea para dar voz a quienes raramente son escuchados. Más que nunca, la radio sigue siendo un motor de cambio social, ya que permite intercambiar conocimientos y ofrece una plataforma para el debate integrador. 

En un mundo en rápida evolución, la UNESCO tiene el compromiso de aprovechar todo el poder de la radio para tender puentes de entendimiento entre los pueblos, compartir información lo más ampliamente posible y profundizar el respeto de los derechos humanos y las libertades fundamentales, especialmente la libertad de expresión. Esto es esencial para la buena gobernanza, las sociedades abiertas y el desarrollo sostenible.

Por este motivo, la UNESCO trabaja para proteger la seguridad de los periodistas radiofónicos de todo el mundo y apoyar unos medios de comunicación libres, independientes y plurales, junto con los marcos jurídicos y las instituciones democráticas necesarios.

La UNESCO está también decidida a utilizar plenamente la radio comunitaria para ocuparse de la pobreza y la exclusión social a nivel local y empoderar a los grupos marginados de las zonas rurales, los jóvenes y las mujeres. La radio es una plataforma fundamental para la educación y para proteger las culturas y las lenguas locales. Constituye también un medio poderoso para amplificar la voz de los jóvenes de todo el mundo sobre cuestiones que afectan a su vida. Debemos impulsar sus aptitudes y darles oportunidades para participar plenamente en la radio.

La radio ha transformado nuestro pasado y sigue siendo una fuerza poderosa para crear un futuro más pacífico, más sostenible y más integrador para todos. Este es el mensaje de la UNESCO en el Día Mundial de la Radio.

Fuentes: RPP NOTICIAS Y UNESCO

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Así suena la música del espacio

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voyager_music

Por IRENE KLOTZ

Con el título de esta entrada no me estoy refiriendo a las famosas muestras de música terrícola que portan las sondas Voyager, un emotivo mensaje de la humanidad para cualquier curioso que tropiece con alguna de estas sondas en un futuro. No, a ésa no, pues me refiero a la música que ha creado el físico y compositor Domenico Vicinanza a partir de los datos obtenidos por estas sondas. Gracias a su original trabajo, ahora podemos escuchar la música del espacio.

Las sondas Voyager a lo desconocido

Las sondas Voyager fueron lanzadas en 1977 para estudiar los sistemas planetarios de Júpiter y Saturno aprovechando un favorable alineamiento de los planetas que les facilitaría la gesta de esta empresa. Después de estos encuentros, las sondas continuaron viajando más y más allá durante todos estos años hasta que una de ellas, la Voyager 1, consiguió entrar en territorio desconocido el 25 de agosto de 2012: el espacio interestelar, donde la influencia del Sol es similar a las de las estrellas más próximas. A día de hoy, la Voyager 1 es el objeto hecho por el hombre más alejado de la Tierra, casi nada.

Teniendo en cuenta que la velocidad que alcanzan estas sondas son inimaginables (la Voyager 1 viaja a 17 km/s, tan rápido que a su lado la velocidad de una bala sería ridícula) y el tiempo que ha tardado una de ellas en llegar al espacio interestelar (35 años), ya nos podemos hacer una idea aproximada de lo grande que es nuestro Sistema Solar.

Olvidaos del típico Sistema Solar ilustrado en una o dos páginas de cualquier libro de astronomía, pues cualquier representación a escala, por muy pequeño que quisiéramos dibujar el Sol con nuestro lápiz, supondría terminar alejarnos cientos de metros para pintar finalmente a Plutón. Si ahora quisiéramos dibujar Próxima Centauri, la estrella más cercana a nuestro Sistema Solar, preparaos para coger el coche y viajar cientos de kilómetros para poder dibujarlo a esta escala. Sí, el Universo es j***damente grande.

El dúo cósmico

Domenico Vicinanza ha convertido cada una de las mediciones de los rayos cósmicos realizadas por estas sondas durante los 37 años de su travesía en distintas notas musicales. Así, las cifras más altas corresponden a las notas más agudas.

Para distinguir las dos sondas, la Voyager 1 ‘toca el piano’ mientras que la Voyager 2 le acompaña en un dúo frenético con instrumentos de viento. Aunque el resultado es una hermosa y alegre composición de cinco minutos, Vicinanza recalca que también puede tener valor científico:

“El análisis de la melodía es exactamente lo mismo que mirar los datos en una hoja de cálculo, pero usando el oído”, explica Vicinanza.

http://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=7l8cm52qUDE

Fuente: Discovery News

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Emprenden el camino musical como estrategia de inclusión

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Otilca

Hace dos años fue publicada esta nota en el diario “El Sol de Margarita”

La Escuela de Música Luisa Cáceres de Arismendi trabaja hace tres años en la promoción del talento de los niños, adolescentes y adultos, a través de mecanismos que despierten la vocación artística. El jueves celebraron el primer aniversario de la revista cultural.

Por Karla Marval Esteves

El proyecto que nació hace tres años para brindar enseñanza musical, sigue transitando por el sendero artístico para que los neoespartanos se integren a la Escuela de Música Luisa Cáceres de Arismendi. En un comienzo, la idea de la escuela de música surgió para llenar un vacío en el estado, porque existía el caso de que los adultos pasaban a ser desplazados, porque a cierta edad no les permiten inscribirse en las escuelas de música, y esta institución permitió la incorporación a la propuesta musical en pro del desarrollo artístico de los ciudadanos. Samuel González, director de la agrupación, indicó que esta alternativa está abierta a todo el público.

La institución les permite a los participantes organizar las clases de acuerdo con sus horarios y ocupaciones, porque como educadores atienden las necesidades de las personas de manera ecléctica. En la escuela de música, que funciona desde el 14 de febrero de 2009, reciben niños desde los dos años y medio, que participan en el kinder musical; enseñan a los pequeños con diversidad funcional y los niños y adolescentes; e incluyen la educación para los adultos. Con esta iniciativa, González y el equipo multidisciplinario que trabaja en la institución buscan la promoción del talento de los participantes y ofrecer una alternativa sociocultural que destaque la acción musical en los sectores más humildes de la población, labor que ejecutan a través de la ayuda comunitaria y redes comerciales que prestan su colaboración. La escuela de música tiene un subproyecto que es la Orquesta Típica Luisa Cáceres de Arismendi (Otilca), que funciona como una ventana para exponer el trabajo realizado por los músicos y estudiantes de la institución, en pro del rescate y promoción de la cultura nacional e internacional, basados en valores como la disciplina, la responsabilidad, la constancia y el respeto. Aun cuando han cumplido varias metas desde su fundación, quienes conforman esta propuesta musical esperan convertir a la institución en una referencia nacional, que sea sinónimo de pasión y excelencia. Revista Uno de los proyectos que desarrolla esta institución es la Revista Cultural de Margarita Otilca.

Director

González explicó que en un comienzo la revista surgió como un mecanismo de comunicación interna con los alumnos e impulsar el proceso de enseñanza.

Sin embargo, la iniciativa creció y el material es distribuido de forma gratuita en diversos puntos de la entidad. A la fecha, la revista mantiene un tiraje de 1.500 ejemplares que recorren las calles llevando un poco de cultura musical a los neoespartanos, aseguró González. Esta herramienta de comunicación se integra al propósito de la institución porque también busca proyectar el acontecer cultural del estado y, sobre todo, destacar el trabajo que hacen los niños, adolescentes y adultos inscritos en la escuela de música. La revista está dirigida a la colectividad que se interesa en las noticias culturales; a los profesionales que participan en iniciativas artísticas, y a todas aquellas personas que están involucradas con las manifestaciones tradicionales que alimentan las expresiones propias de la entidad insular.

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Música y ciencias sociales: ideas para un cambio metodológico

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Podemos encontrar la unión de las ciencias sociales y la música como elementos fundamentales para iniciar un cambio de actitud en la docencia.

Venimos comprobando como todavía se sigue un modelo generalizado de construcción de los aprendizajes por el cual el alumno adquiere conocimientos a través de la reconstrucción interna de los significados (uno aprende equivocándose y replanteándose lo aprendido). Proponemos otros planteamientos que mejoren la práctica docente.

Puede que aporte ideas y soluciones el considerar otras opciones como la web 2.0, el desarrollo de estrategias metacognitivas, la gestión emocional como valor educativo y por supuesto, la educación considerada como modelo dialógico en el que todos los elementos implicados participan, aportan y construyen el aprendizaje.

METACOGNICIÓN
La metacognición “es el conocimiento y regulación de nuestras propias cogniciones y de nuestros procesos mentales”(Burón, 1993, p.10)

Dentro de este paradigma en el que se tienen en cuenta múltiples variables es donde la música y las ciencias sociales cuentan con un poderoso status. Ellas unidas poseen la capacidad de dirigir al alumno hacia estrategias y conocimientos de manera exitosa. La unión de música y ciencias sociales logra:

  • Facilitar aprendizajes significativos que permiten aprender a aprender. El conocimiento debe situarse en un contexto significativo partiendo de lo que ya se sabe para avanzar en el conocimiento.

  Por ejemplo: conocemos nuestro pueblo y su cultura musical: lo localizamos en el  mapa.

  • Fomenta la motivación dando un valor añadido a los contenidos. Si sabemos dirigir las emociones y gestionarlas, estableceremos entornos de aprendizaje mucho más eficaces. Trabajaríamos en lo que se llama “zona de desarrollo potencial”, es decir, encontrar un espacio propicio para la intervención educativa.
  • La música tiene la capacidad de dar un significado diferente a un hecho a través de las emociones que provoca.
  • Favorece la participación en la web 2.0 trabajando con blogswikis,marcadores sociales y canales web de información como la Web TV. A través de estos pilares fundamentales de la web 2.0 podemos desarrollar conceptos musicales unidos a otros de las ciencias sociales.

http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=WJsnsT50-T8

Ejemplos de temas que unidos se pueden desarrollar son: biografías, jerarquías sociales y mecenazgo en la música, inventos e instrumentos musicales, mitología y ópera, religión y música, danzas del mundo o folklore.

En definitiva, tratamos de asimilar lo que han supuesto las TIC en educación y las adaptamos convirtiéndolas en las TAC (Tecnologías del Aprendizaje y el Conocimiento).

La difícil tarea de educar no lo sería tanto si encontráramos más conexiones entre nuestros alumnos (nativos digitales) y los nuevos procesos de aprendizaje.

Es necesario un cambio de actitud (actitud web 2.0 por ejemplo) y mayor flexibilidad en la  formación de los docentes. Propuestas como la de unir música y ciencias sociales podrían suponer un buen inicio.

Artículo realizado por  Marta Fdez.-Carrión Quero

Referencias

Burón, J. (1993). Enseñar y aprender: introducción a la metacognición. Bilbao: Mensajero.

Grupo Ínsula Barataria (coord.) (1994). Enseñar y aprender ciencias sociales. Algunas propuestas de Modelos Didácticos. Madrid: Mare Nostrum Ediciones didácticas.

Parra, J.M. (2009). Un modelo didáctico para la enseñanza de las ciencias sociales. Granada: Grupo Editorial Universitario.

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El misterio de los músicos disléxicos

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Dislexia

Se le llama dislexia a los problemas en la lectura y el lenguaje, un problema que sufre aproximadamente un 10 por ciento de la población. Un disléxico suele confundir las palabras que lee por otras con una fonética parecida y estos problemas se ponen rápidamente de manifiesto al leer en voz alta.

Este trastorno aparece desde la infancia y se cree que la raíz del problema reside en la asociación entre sonidos y palabras que realizamos cuando empezamos a leer, un proceso llamado asociación grafema-fonema. Si por diferentes motivos asociamos de manera errónea un vocablo conocido a una silaba escrita, estas asociaciones erróneas pueden permanecer a lo largo de los años provocando los problemas de lectura de la dislexia. Hay varias causas para estas malformaciones, que pueden variar según la persona, desde una mala conexión entre los dos hemisferios cerebrales como daños en una zona del cerebro llamadagiro angular, encargado de la interpretación y reconocimiento de letras. (Para más información puedes leer otro artículo del tema del lenguaje: El caso de la profesora que olvidó como leer)

Pero esta explicación de la dislexia pierde fuerza cuando nos planteamos una pregunta: ¿Por qué existen músicos disléxicos? Un músico está especialmente entrenado en asociar notas musicales escritas sobre el papel a sonidos de un tono exacto. Esta habilidad innata en muchos músicos no encaja con el origen de la dislexia provocada precisamente por la falta de esta habilidad. Con esta idea en mente, el equipo de la psicóloga Merav Ahissar ha buscado durante años a músicos con dislexia para estudiar lo que sucede en su cerebro.

Tras años de búsqueda, ya que los músicos con dislexia no son precisamente numerosos, Ahissar logró reunir a 52 músicos disléxicos para su estudio. A todos se les realizó una serie de pruebas neuropsicológicas para comprobar diferentes habilidades y compararlos con la población general. Se les realizaron pruebas de percepción musical y auditiva, en los que debían identificar una nota a partir de su sonido; también hicieron pruebas lingüísticas para comprobar el estado de su dislexia y finalmente realizaron diferentes pruebas de memoria.

Aunque parezca redundante, la primera conclusión del estudio es que los músicos disléxicos son realmente músicos y disléxicos. En las pruebas auditivas todos sacaron una puntuación superior al resto de la población no musical (y similar a otros músicos), sin embargo, su dislexia estaba a los mismos niveles de la gente disléxica normal sin estar más o menos afectados por el hecho de estudiar música.

El resultado interesante aparece en las pruebas de memoria de trabajo. ¿Qué es esta memoria? Todos tenemos diferentes tipos de memoria, la memoria de trabajo es la que se encarga de actuar en periodos cortos de tiempo, del orden de segundos. Por ejemplo, esta memoria es la que usamos para apuntar un número de teléfono en un papel mientras nos lo dictan. Otros tipos de memoria son la memoria explícita, que permite recordar eventos pasados (y es la que llamamos normalmente memoria sin más) y la memoria implícita, que nos permite recordar habilidades nuevas, como tocar un instrumento. Cada una de estas memorias sigue un funcionamiento neurológico diferente, por ejemplo, el famoso paciente HM del que hablamos en un artículo anterior, tenía problemas de memoria explicita pero su memoria implícita estaba intacta y podía aprender nuevas habilidades (aunque no recordara haber entrenado).

Los músicos disléxicos presentan una menor memoria de trabajo frente al resto de la población. Según los autores del estudio, esta falta de memoria puede ser la causa de su dislexia. Cuando aprendemos a asociar un sonido a una palabra hay todo un proceso de memoria detrás. Si no recordamos correctamente la asociación es posible que se vea distorsionada y funcione sólo de manera aproximada. Esto puede explicar que los disléxicos produzcan mayores errores con sonidos parecidos, ya que son más fáciles de crear la mal-asociación que con sonidos completamente diferentes.

Este puede ser el problema en la dislexia, y tiene lógica que pueda aparecer en músicos. ¿De qué te sirve identificar una nota si no puedes recordarla poco después?

Fuente | Wired

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COMO ERES ES COMO TOCAS

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“El carácter de la persona siempre se verá reflejado en su interpretación musical”

Por Isaías Subero

La personalidad es el patrón de pensamientos, sentimientos y conducta que presenta una persona a lo largo de su vida (aunque con posibles cambios) a través de diferentes situaciones. La personalidad se va forjando a partir de la niñez, en donde los seres humanos comienzan a explorar y a interactuar con distintos elementos; y se moldea durante la adolescencia, etapa en la cual, se buscan elementos con los que el individuo pueda sentirse identificado.

Los seres humanos tienen constantemente la necesidad de expresarse y relacionarse con los demás, para ello, la música es posiblemente el mejor medio para lograr dicho objetivo, debido a la cantidad de información que es posible transmitir, aun cuando se trata únicamente de sonido.

Al pedirle a un músico que ejecute una pieza ya escrita, con todos los matices definidos, y un carácter claramente establecido, es imposible que este, de algún modo u otro, no le agregue su propio toque, dejando al descubierto, su personalidad.

Romper el orden, salirse de la raya, o quebrantar las reglas no necesariamente es algo “malo” en la ejecución musical, siempre y cuando se haga de un modo fundamentado. Más allá de ser algo bastante arriesgado de hacer, resulta improbable que dos músicos, logren entender exactamente del mismo modo, la misma pieza musical.

El carácter de la persona siempre se verá reflejado en su interpretación musical, y aunque se colocase a una fila de violines a tocar la misma frase, bajo las mismas instrucciones, se notarán, al escucharlo uno a uno por separado, pequeñas diferencias que delataran tanto la madurez musical, como la personalidad del músico.

Un violinista decidirá tocar el forte con más fuerza que otro, alargar más el ritardando, o atacar con el arco de una manera distinta. Para criterios de unificación, se encuentra por supuesto, el director.

Así mismo, un persona tímida, que suele hablar con un volumen bajo, muy probablemente toque de la misma manera su instrumento, especialmente cuando se sienta socialmente presionado. Por el contrario, un personaje alegre y entusiasta no le importará ser el centro de atención al tocar fuertemente su instrumento.

La personalidad no sólo influye en cómo tocamos, sino también en qué tocamos; de este modo, las personas tendrán preferencia hacia ciertas obras o géneros musicales.

Los estereotipos socialmente aceptados afirman que una persona tranquila escuchará música suave, mientras que una persona de carácter más fuerte podría escuchar, por ejemplo, rock pesado.

Si bien estos estereotipos han demostrado fallas a lo largo de diversos estudios, podrían darnos una idea de la relación existente entre la personalidad y la preferencia musical, y enseñarnos que se trata de una relación bilateral, es decir, no sólo la personalidad influye sobre la música, sino también, la música sobre la personalidad.

Los individuos que se encuentran acostumbrados a un género musical, agregan comportamientos nuevos a su conducta, que suelen ser típicos entre los entusiastas de tal género; esta imitación, si se mantiene en el tiempo, conlleva a la modificación de la personalidad.

De este modo, se demuestra que no solo la persona puede cambiar la música, sino que esta, puede influir sobre las personas y modificar su conducta.

La música, con todo el poder que representa manipular las emociones humanas con tan solo un sonido, lleva consigo una gran responsabilidad, la de transmitir valores que hagan mejores seres humanos y sirvan como herramientas para el desarrollo de la sociedad.

Extraído de la Cuarta edición de la “Revista Otilca”

El cerebro de un niño con autismo genera más información en reposo

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Autism

Y con más información me refiero a más datos, más uso del pensamiento, llegando a un aumento de un 42% mayor de información respecto a los niños sin autismo.

Al menos así lo afirma una nueva investigación a cargo de los científicos de la  Universidad Case Western Reserve junto a la Universidad de Toronto, los cuales comentan que este descubrimiento ofrecería una explicación al rasgo más característico del autismo, que es su “encierro” en su propio mundo interior. Este aumento tan significativo de la información de su cerebro durante el reposo podría ser la clave para entender ese “encierro”, aislando al niño del entorno.

El estudio, que se publicó a finales del mes de diciembre en Frontiers in Neuroinformatics, es un seguimiento de una determinación previa por parte de los autores de las diferencias que existen entre las conexiones cerebrales de un niño autista respecto a los niños sin autismo. En este seguimiento se demostró que estas diferencias podrían explicar el aumento de complejidad del cerebro de un niño autista.

Así lo explica Roberto Fernández Galán, uno de los autores de este estudio y profesor de neurociencia de la Escuela de Medicina Case Western Reserve:

“Nuestros resultados sugieren que los niños autistas no están interesados en las interacciones sociales porque sus cerebros generan más información en reposo, lo que interpretamos como la misma introsprección ya conocida en las primeras descripciones de la enferedad”

Los investigadores cuantificaron la información como lo hacen los ingenieros, pero en lugar de aplicar dichas cuantificaciones a señales de dispositivos electrónicos, lo aplicaron a la actividad cerebral registrada con un magnetoencefalograma (MEG).

Así pues, demostraron que los niños autistas en reposo generan más información que los niños no autistas. Por ello, según los investigadores, se podría explicar la falta de interés de estos niños por los estímulos externos, como las interacciones sociales.

Por otra parte, los investigadores también cuantificaron las interacciones entre las diferentes áreas cerebrales (las conexiones dentro del cerebro), determinando la aportación de dichas interacciones al estado de reposo de los niños para poder interpretar su nivel de introspección.

Según comenta el autor principal de este estudio, José L. Pérez Velázquez, profesor de neurociencia en laUniversidad de Toronto:

“Esta es una interpretación novedosa porque es un intento diferente de entender la cognición de los niños mediante el análisis de su actividad cerebral”

“La medición de los procesos cognitivos no es trivial, y sin embargo, nuestros resultados indican que esto se puede hacer hasta cierto punto con herramientas matemáticas, físicas y de ingeniería bien establecidas”

Finalmente, cabe destacar que los resultados de este estudio apoyan la Teoría Mundial Intensa del autismo, propuesta por los neurocientíficos Henry y Kamila Markram, del Instituto del Cerebro y la Mente de Suiza, en la cual describen esta enfermedad como el resultado de la hiper-función de los circuitos neuronales, llevando al cerebro a un estado de sobre-exticación.

El próximo objetivo de estos investigadores es usar sus pruebas cognitivas en los pacientes con esquizofrenia.

Publicado por  Roberto Mendez en Medciencia

Vía | ScienceDaily

Los cantantes de coro sincronizan sus corazones al cantar

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Tocar un instrumento o cantar requieren una gran habilidad de coordinación y ritmo. Por eso en los grupos de rock modernos el batería se encarga de llevar el compás que coordina al resto del grupo, igual que pasa en las bandas de música clásica con el director y su batuta. Esto permite que todos los instrumentos estén sincronizados, pero ¿es posible que esta sincronización también afecte al cuerpo de los músicos?

Parece que sí, según un estudio de la Universidad de Gotemburgo en Suecia. Han descubierto que la variabilidad cardíaca de un grupo de personas se sincroniza cuando cantan una canción en grupo. Durante su investigación han estudiado el ritmo cardíaco en varios grupos de canto coral mientras cantan diferentes canciones.

Los cantantes sincronizan su variabilidad cardíaca, no su ritmo cardíaco. Si escuchas tu corazón (y no tienes ningún problema cardíaco) notaras un latido rítmico, sin diferencias de tiempo aparente entre latido y latido. Sin embargo, si registramos la señal cardíaca mediante un electrocardiograma comprobaremos quehay unas pequeñas alteraciones en la distancia de tiempo entre latido y latido. A estas alteraciones se las llama variabilidad cardíaca, y puede cambiar según el ritmo respiratorio, el estado de estrés o incluso la alimentación que llevemos.

Esto explica la sincronización cardíaca entre cantantes. Para nuestro cuerpo, cantar es muy diferente a tocar otro instrumento que no sea de viento: requiere coordinar nuestra respiración. Cuando cantamos pasamos aire a través de nuestras cuerdas vocales, y realmente es imposible cantar una nota un tiempo indefinido, ya que tenemos que volver a inhalar aire. Cualquier cantante e instrumentista de viento sabe que las canciones deben tener pausas para recuperar la respiración. Estas pausas actúan de compás, y cuando una coral canta la misma canción realmente están controlando su respiración y siendo sincronizada entre los diferentes miembros. Ya hemos dicho que la respiración afecta a la variabilidad cardíaca, de manera que un grupo de gente que respire coordinadamente puede tener una idéntica variabilidad cardíaca, como se ha observado en el experimento.

Existiendo diferentes tipos de canciones, en el estudio quisieron comprobar qué canciones provocarán una mayor sincronización respiratoria y cardíaca. La pregunta es mas compleja de lo que parece en un principio, ya que la mayoría de canciones que escuchamos no esta interpretadas por un grupo de gente cantando la misma partitura exacta, sino que normalmente diferentes voces interpretan diferentes partes de la canción. Realmente si queremos música sincronizada entre cantantes debemos adentrarnos en dos de los campos musicales más antiguos del mundo: la música coral y los mantras.

En la música coral los músicos cantan una misma partitura combinando sus voces para crear la melodía. Los mantras son algo diferentes, el canto es lento y se usa como apoyo para la meditación y la relajación. En el estudio usaron la canción coral de Fairest Lord Jesus, y un mantra llamado Just RelaxPara equilibrar el estudio ninguna de las dos melodías son especialmente marchosas. Aquí hay un vídeo de un coro cantando Fairest Lord Jesus:


Comparando las dos canciones, con el mantra se conseguía la máxima sincronización entre los cantantes. Probablemente por ese motivo los mantras tienen ese efecto relajante y de meditación. En el próximo estudio se comprobará el efecto de sincronización cardíaca con canciones más diferentes y que menos relajantes.

Ya sabes, si quieres coordinar algunas de tus constantes vitales con otras personas, una idea ideal es apuntarte a un coro. Aunque si solo quieres coordinar tu cuerpo, apúntate a baile y baila una coreografía grupal, así el publico podrá notarlo sin ayuda de un electrocardiograma.

Fuente | Scientific American y Frontiers in Psychology, 2013. DOI.

Las “TICs” y la Música: ahora en el mundo de las Redes Sociales.

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“Hace unos días, el profesor atendió una llamada, y al colgar, soltó una pequeña carcajada que interpreté como orgullo. Más tarde, nos contó que era de una persona de Caracas que deseaba ingresar a la Escuela de Música y que se había enterado por medio de las redes sociales.  Ahí fue cuando me di cuenta del impacto que teníamos como organización para las personas que nos veían por Twitter, Facebook u otros medios. “ – Verónica Sarache.

Está muy claro que ahora la manera de comunicar las cosas no es otra que por internet, ya que las fuentes y noticias son más sencillas a la hora de leer y de comprender. Nos facilitan videos, imágenes, revistas digitales (como la revista OTILCA), canciones y etcéteras, por lo cual termina siendo el medio de comunicación e información más accesible para las nuevas generaciones. Es por esto que la Orquesta Típica Luisa Cáceres de Arismendi ahora se encuentra presente en las redes para todo público, dispuesta a mantener al tanto a todo el mundo, tanto como personas pertenecientes a la Escuela de Música, como a personas ajenas.

Además, resulta una ayuda para los estudiantes, los cuales pueden recibir las piezas y escucharlas después de contactar a la Orquesta, pueden observar las fotos y noticias de algún evento ya pasado y, más importante aún, compartir ésta información con otras personas, logrando que la familia de la OTILCA crezca cada vez más.

 Franela Reverso

Las redes para los estudiantes.

El internet parece ser el medio preferido de las nuevas generaciones.

Hace algunos años, un profesor debía estar todo el tiempo al lado de su pupilo pendiente de la manera que éste interpretaba la pieza, ayudándolo a solfear, corrigiendo la afinación (sostenidos, bemoles), entre otros, hasta que por fin, luego de una o dos semanas, el alumno llegaba a conocer la pieza y lo que le restaba era la práctica. Esto ocurría porque el alumno no tenía idea de lo que estaba tocando.

Ahora las cosas son mucho más fáciles: los profesores pueden mandarle las piezas a sus alumnos por internet, buscar una manera de que conozcan lo que les corresponde, ayudarlos a solfear, estar con ellos en todo momento, incluso desde su casa, pendientes de cualquier duda del alumno, y todo gracias a las redes sociales, que han logrado mantener un vínculo profesor-alumno que ayuda mucho a la hora de aprenderse nuevas piezas. Ahora el alumno, con una semana de práctica, es capaz de aprenderse hasta dos piezas con muy poco tiempo de aprendizaje.

Tal es el caso de Lorena Ambrosio, estudiante de guitarra en la Escuela de Música, quien tuvo que recurrir a éste método debido al poco tiempo que tenía antes del concierto Tríptico Musical.

“Excelente. “ – Nos dice. “Yo no era capaz de producir ni una nota de las dos piezas más difíciles que me han tocado hasta ahora: Quisiera y Un Beso y una Flor. Fue entonces cuando el profesor me contactó por Facebook y me facilitó las piezas. En dos semanas ya me las sabía.”

redes y música

Gracias a esto, varios alumnos, como Lorena, han avanzado considerablemente en el aspecto musical, y lo seguirán haciendo, porque ahora que las Redes Sociales contribuyen con el trabajo de la OTILCA, nadie las dejará ir.

Artículo publicado en la Revista Otilca edición Número 3 (Noviembre 2011) realizado por la entonces estudiante de Violín, Verónica Sarache.

La “viola organista” de Leonardo Da Vinci en el siglo XXI

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Por Mónica Careaga

Es bien sabida la personalidad polímata del genio renacentista Leonardo Da Vinci. Su conocimiento se extendió en diversos campos del saber; fue un pintor pero también ingeniero, escultor, anatomista, científico, músico y un inventor de artefactos, armas y utensilios. Fue en este transitar de la inventiva, aunado a su gusto por la música, que Da Vinci idealizó un instrumento al que denominaría “la viola organista”.

Los pensamientos de Da Vinci quedaron asentados en libros y escritos que daban cuenta de la genialidad de su figura, como en el Codex Romanoff o el códice Atlántico. Sobre su faceta de inventor se conocen los diseños de armas que hicieron posible la concepción de ametralladoras de múltiples cañones, ballestas gigantes, bombas de racimo y los que serían los precursores de tanques modernos, así como artefactos para limpiar, moler, rebanar, pelar y cortar, tareas constantes en su incursión en la gastronomía de la época. A Da Vinci, también, se le atribuye el modelo de los helicópteros y su trabajo con los ornitópteros, los que significarían grandes aportaciones a la aeronáutica.

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La “viola organista” es una de las tantas ideas del renacentista con una ambición por crear un instrumento musical que combinara la digitación de un teclado con el sonido de un instrumento de cuerda. Se sabe que Da Vinci bosquejó estas ideas de un mecanismo de ruedas giratorias accionadas a un pedal y que tiraba de un arco por medio de cuerdas, en las páginas del Codex Atlanticus, aunque éstas nunca llegaron a materializarse.

Cien años después, el organista Hans Hyden de Nuremberg crearía el primer teclado inclinado y funcional a base de un mecanismo pie-pedal y seis cuerdas que  producían crescendos, diminuendos y vibrato, además de sostener las notas con sólo mantener presionadas las teclas del instrumento. Hans lo llamaría Geigenwerk (órgano violín). Algunos afirman que el diseño tendría su antecedente en los bocetos de Da Vinci.

 

Diversas versiones se han reproducido del instrumento “de papel” de Da Vinci, todas sin mayor éxito que tomar como referente la obra del renacentista. Ahora, el pianista polaco Slawomir Zubrzycki se ha sumado a la lista con una reproducción de la pieza del genio con un diseño altamente magnético.

 

El exterior de esta versión del siglo XXI del instrumento proyectado por Da Vinci es de un azul marino matizado adornado en los bordes con remolinos de oro. El interior es rosado y en el frente se ubica un cintillo con una inscripción en latín en letras doradas.

 

Otra leyenda en la tapa del instrumento versa: “Profetas y eruditos. Santos sumergidos en el mar de las artes, tanto humanas como divinas, soñaban con una multitud de instrumentos para deleitar el alma”.

Dentro de la caja, 61 cuerdas de acero están dispuestas para las melodías. Cada una se conecta con el teclado completo, y por medio de las teclas negras más pequeñas se da salida a las notas agudas y planas. Cuenta con cuatro ruecas conectadas a un cigüeñal que se activan con el pedaleo. El instrumento emite sonidos parecidos al de un violonchelo, un órgano e, incluso, un acordeón.

Tres años y $9,700 dólares le costó al polaco construir el instrumento, con el que debutó en el Festival Internacional de Piano Royal de Cracovia, donde recibió una ovación de pie de los críticos y asistentes al evento.


Artículo original de Cultura Colectiva

¿POR QUÉ LA MÚSICA ES MARAVILLOSA?

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 Por Philip Ball.
Una encuesta demostró los beneficios cognitivos de la música, haciendo caso válido su importancia en el área educativa. Pero esa no es la razón principal para enseñar a todos los niños música, dice Philip Ball.

¿Recuerdas que es el Efecto Mozart? Gracias a una sugerencia en 1993 que escuchar a Mozart te hace más inteligente, se ha producido una avalancha de CDs recopilatorios llenos de melodías clásicas que supuestamente va a aumentar el poder del cerebro de su bebé.

Sin embargo, no hay evidencia para esta afirmación, y de hecho el artículo original “Efecto Mozart” no lo logró. Se informó de una mejora de rendimiento leve, de corta duración en algunas tareas espaciales cuando es precedido a escuchar a Mozart en un lugar sentado y en silencio. Algunos estudios de seguimiento replican el efecto, otros no lo hicieron. Ninguno encontró específico a Mozart; un estudio mostró que la música Pop podría tener el mismo efecto en los escolares. Parece que este curioso efecto marginal se deriva de los beneficios cognitivos de cualquier estímulo auditivo agradable, que no necesita ser necesariamente musical.

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Foto: José Fernández ofrciendo concierto a neonato en el Hospital Luis Ortega de Porlamar

La idea original tuvo un impacto tan grande, que juega con una sospecha desde hace mucho tiempo que la música te hace más inteligente. Y a medida que los neurocientíficos Nina Kraus y Bharat Chandrasekaran, de la Universidad Northwestern en Evanston, Illinois, señalan en una revisión publicada el 20 de julio de 2010 en la revista Nature Reviews Neuroscience, que existe buena evidencia de que el entrenamiento musical remodela el cerebro de formas que transmiten beneficios cognitivos más amplios. Se puede, dar lugar a “cambios en todo el sistema auditivo, que los primeros músicos percibieron en el procesamiento de la música.”

Esto no es sorprendente. Muchos tipos de entrenamiento mental y el aprendizaje alteran el cerebro, al igual que el entrenamiento físico altera el cuerpo, y las diferencias estructurales relacionadas con el aprendizaje entre los cerebros de los músicos y no músicos están bien establecidas. Por otra parte, ambas pruebas neurológicas y psicológicas muestran que el procesamiento de la música se basa en los recursos cognitivos que no son específicos para la música, como el procesamiento de paso, la memoria y el reconocimiento de patrones de modo que al cultivar estas funciones mentales a través de la música, naturalmente, se puede obtener un mayor rendimiento. Las interacciones son de dos vías: la sensibilidad de tono imbuido por las lenguas tonales como el chino mandarín, por ejemplo, que aumenta la capacidad de nombrar una nota musical sólo de escucharlo (llamado oído absoluto).

Esto no causa asombro, se sabe que las clases de música mejoran las destrezas cognitivas en los niños, teniendo en cuenta que van a nutrir las facultades generales como la memoria, la coordinación y la atención. Kraus y Chandrasekaran ahora señalan que, gracias a la plasticidad del cerebro (la capacidad de “recablear” en sí), la formación musical agudiza nuestra sensibilidad a lanzar, el tiempo y el timbre, y como resultado de nuestra capacidad de discernir la entonación emocional en el discurso, para aprender nuestras lenguas nativas y extranjeras, y para identificar regularidades estadísticas en abstracto de los estímulos del sonido.

Música para tus Oídos

Sin embargo, todos estos beneficios de la educación musical  no han hecho lo suficiente para alterar la percepción común de que la música es un extra opcional que se ofrece sólo si los niños tienen tiempo y ganas. El etnomusicólogo John Blacking  insiste en que la musicalidad  no es un pequeño don, y que la música no solo ha de ser creada por un minoría para el  de  consumo pasivo de la mayoría. Después de haber pasado años entre las culturas africanas que reconocen tales distinciones, Blacking estaba consternado por la forma en que las élites etiquetaban a la mayoría de la gente “no musical”.

Kraus y Chandrasekaran argumentan con razón que marginar la educación musical en las escuelas “se debe reevaluar” a la luz de los beneficios que puede ofrecer para la mejora de las habilidades del aprendizaje y la capacidad de escuchar. Sería una realidad muy triste de que la única manera de persuadir a los educadores a abrazar la música es a través de sus efectos secundarios sobre la cognición y la inteligencia. Debemos tener especial cuidado con ese argumento en esta era de análisis de costo-beneficio, las metas y evaluaciones de impacto utilitarios. La Música de hecho debe celebrarse  (y estudiarse) como un gimnasio para la mente, pero en última instancia, su valor radica en la forma en que nos enriquece, socializa y humaniza.

 Si la validez de convocatoria de la música debe ser esencial en la educación, es importante su formación, como cualquier otro placer, pero también tiene sus riesgos cuando se toma en exceso. Estuve hace poco el privilegio de hablar con el pianista Leon Fleisher y su traumática pero increíble lucha con la Distonía focal, una condición que resulta de la pérdida localizada del control muscular. Impresionante la carrera de Fleisher como concertista de piano, y casi termina a principios de 1960 cuando se enteró de que dos dedos de su mano derecha se inmovilizaron. Después de varias décadas de enseñanza y de juego con una sola mano, Fleisher recuperó el uso de ambas manos a través de un régimen de masaje profundo y las inyecciones de botóx para relajar los músculos. Pero él dice que su condición sigue presente, y él tiene que luchar constantemente contra ella.

Distonía focal no es un problema muscular (como calambre), pero si uno neural: la formación excesiva altera la retroalimentación entre los músculos y el cerebro, la ampliación de la representación de la mano en la corteza sensorial hasta los correlatos neurales de los dedos se confundían. Es el lado oscuro de la plasticidad neuronal y se estima que uno de cada cien músicos profesionales  lo padecen, aunque algunos lo hacen en secreto, temerosos de admitir que es un problema que los limita.

El ámbito musical sufriría pérdidas sin virtuosos como Fleisher. Sin embargo, su historia  nos advierte de los peligros que pueden existir, no sólo para los artistas sino (como Blacking) sugiere para el resto de nosotros. La música puede dar lo sublime, pero también lo trágico.

Tomado del libro de Philip Ball “El Instinto de la Música”.

Artículo original de Scientific American traducción por la Lcda. Mayerlin Urbáez

Inteligencias Múltiples en Otilca

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Aprender es incorporar significados valiosos, útiles, comprensibles que permitan a los sujetos adaptarse a la realidad y transformarla.

Para hablar de las Inteligencias Múltiples, es necesario tener una idea clara sobre el término “Inteligencia”. Desde hace mas de dos mil años la humanidad ha desarrollado una concepción vinculada con el aprecio hacia el conocimiento, que hoy día es muy difícil cambiar. Evaluar las posibilidades cognitivas de un niño, realizando un test de reconocimiento de su coeficiente intelectual, apelando a la idea de inteligencia única y convergente, puede terminar etiquetando a la persona y condicionar su desarrollo personal.

Es muy común observar en los ambientes educativos referirse a los alumnos como “el inteligente”, “el brillante”, sin pensar que podemos estar vulnerando la estabilidad emocional de otros compañeros o peor aún alterar la condición innata de las estructuras del pensamiento en todos los involucrados.

Investigadores como Howard Gardner de la Universidad de Harvard descubrió que: “el proceso de aprendizaje y la inteligencia se desarrollan de manera sinérgica (coordinada) y apropiada cuando se dan condiciones de estado de ánimo para la motivación, el interés y el agrado por aprender; estas situaciones refuerzan el proceso neuronal y el aprendiz encuentra que el aprendizaje es agradable y por lo tanto lo almacena en la memoria”. Este hecho debe ser conocido y puesto en práctica por padres y docentes, porque mientras más emociones y satisfacciones tiene el aprendiz, más efectiva es la experiencia de aprendizaje y enseñanza.

Es importante comprender la red sináptica que se produce en el aprender y el papel de las sustancias químicas que produce el cerebro, que actúan como neuroconductores de dopamina acetiledina y la endorfina que fijan el aprendizaje obteniendo como resultado recuerdos más claros.

Gardner que además de neuropsicólogo  y premio de Educación Grawmeyer de Harvard, era pianista y desarrolló la teoría educativa de las Inteligencias Múltiples, el cual nos permitimos agregar una columna con Enfoque Musical, como observamos en el siguiente cuadro:

Definición

Enfoque Musical

Inteligencia Lingüística Mayor desarrollo en la habilidad lingüística,persona que piensa y expresa con mayor frecuencia a través de la palabra. La música es un lenguaje que nos permite vincular los elementos como el tono, timbre y ritmo con la lengua materna e incluso idiomas foráneos.

“La poesía ha de ser la hija obediente de la música.

Wolfgang Amadeus Mozart” (compositor austriaco:1756-1791)

Inteligencia Lógico-matemática Las personas utilizan el cálculo, las cuantificaciones, consideran proposiciones,  establecen y comprueban hipótesis para resolver situaciones de la cotidianidad. La lectura musical está estrechamente relacionada con los números y la ejecución instrumental con la distancia y el tiempo.

“La música es la aritmética de los sonidos, como la óptica es

la geometría de la luz”.

Claude Debussy (compositor francés:1862-1918).

Inteligencia Visual-espacial Capacidad para percibir, transformar, modificar y descifrar imágenes, tanto internas como externas. La música se descifra a través de figuras que deben ser ejecutadas con instrumentos musicales tomando en cuenta sus dimensiones.
Inteligencia Corporal y Cinestésica Los inteligentes kinésico – corporales piensan a través de sensaciones somáticas, al tiempo que aman bailar, correr, saltar, construir, tocar y gesticular. Ponen de manifiesto su destreza, coordinación, flexibilidad, velocidad y todas aquellas capacidades relacionadas con las habilidades táctiles. La ejecución musical es una actividad física que requiere la activación de todos los sentidos, especialmente el tacto.
Inteligencia Musical La inteligencia musical es la capacidad para percibir y expresarse a través de las diferentes formas musicales. La música nos ayuda a distinguir y utilizar de manera adecuada el tono, el timbre y el ritmo de una melodía.“La música es el corazón de la vida. Por ella habla el amor; sin ella no hay bien posible y con ella todo es hermoso”.Franz Liszt (pianista y compositor austriaco de origen húngaro:1811-1886)
Inteligencia Intrapersonal Consiste en tener un acabado conocimiento de uno mismo y ser capaz de utilizar ese conocimiento personal para desenvolverse de manera eficaz en su entorno. El estudiar un instrumento permite a las personas tener mayor tiempo para descubrir y desarrollar sus propias potencialidades.
Inteligencia Interpersonal Es una de las inteligencias sociales, a través de esta los individuos interactúan de manera eficaz con otros, capaces de conocer, reconocer e influenciar en los deseos, necesidades e intenciones de sus pares. El músico se mantiene en una constante preparación grupal, siendo sus compañeros  monitores contribuyentes para su educación, logrando un efecto feed-back que logra aprendizajes en experiencias significativas (esta es una de las inteligencias mas trabajadas en la OTILCA).
Inteligencia Naturalista Gardner en sus primeras investigaciones trabajó en las siete inteligencias ya mencionadas, pero la evolución de investigaciones del mundo pedagógico ha sumado otra; “La Inteligencia Naturalista”, que en un principio fue incluida en la Inteligencia Lógico-matemática.Las personas que manifiestan Inteligencia Naturalista, tienen la habilidad de comprender, estudiar los hechos tanto humanos como naturales, les gusta experimentar y profundizar en relación con ellos. La música es una transposición sentimental de lo que es invisible en la naturaleza.Claude Debussy (compositor francés:1862-1918)

Podemos inferir que la conexión final entre la persona y su entorno, está estrechamente ligada a la música, debido a que el mundo posee un ritmo del cual formamos parte, cuando estimulamos el vínculo entre el individuo y la música, podemos obtener mejores logros en la evolución del ser humano.

La música incide directamente en  la función de la amígdala cerebral (centro de las emociones) y es capaz de modificar procesos inhibitorios como el desinterés, desatención, aburrimiento y temor que bloquean el aprendizaje.

En la Escuela de Música Luisa Cáceres de Arismendi, trabajamos día a día con el firme propósito de generar experiencias significativas para nuestros alumnos, aplicando metodologías cada vez más innovadoras y eficientes que han sido demostradas durante ya casi seis años de trayectoria. Por eso combinamos las teorías educativas incluyendo la desarrollada por Gardner (visita nuestra página ww.otilca.org y obtendrás más información).

Para concluir invitamos a la colectividad a cultivar el arte musical, nos solo como actividad gratificante y salutífera, sino como profesión digna que por años ha demostrado ser carta de presentación cultural de los pueblos y por ende factor fundamental para la evolución de un país.

Lcdo. Samuel González Castrillo

Director de La Escuela de Música Luisa Cáceres de Arismendi

Despierta el interés de tu hijo por la música

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Otilca

Dice un refrán que “quien canta sus males espanta”. Y yo diría que quien sólo escucha una música también se viste de buen humor frente a las adversidades. ¿A quién no le gusta la música? Los sonidos de la música tranquilizan a los pequeños, les invitan a mover sus cuerpos y, según un estudio, los niños que estudian música desarrollan, a la vez, capacidades para las matemáticas.

¿CÓMO INCORPORAR LA MÚSICA A LA VIDA DE TU HIJO?

Estimulacion musical

El estudio, llevado a cabo por la Universidad e Ohio, Estados Unidos, destacó que las relaciones rítmicas son numéricas. Cada nota tiene un tiempo y hay que sumarlo para armar los compases, antes de pasarlos al instrumento. Un niño que recibe clases de música, tanto en la escuela como fuera de ella, e incluso que haya visto conciertos en su infancia, presenta una mejoría de su desempeño en matemáticas, a la vez que eleva su interés por la lectura. Los investigadores compararon las relaciones que había entre los chicos que tenían clases de música y sus calificaciones en materias lingüísticas y matemáticas, y encontraron que quienes estudiaban música consiguieron un mejor rendimiento académico.

Aquí tienes algunos consejitos:

1- Canta a tu bebé. Cante mientras lo baña, mientras juegas con él, o cuando lo lleves a la cuna, o de paseo. Cántale a todas horas que puedas.

2- Pon música mientras el bebé está en su sillita esperando la papilla o que acabes de recoger la casa. Hay una gran variedad de Cd de música para niños. Elija los más tranquilos para el final del día, y las canciones más moviditas para la mitad del día.

3- Haz con que tu bebé escuche variados ritmos: música clásica, salsa, samba, rock, etc. Más tarde será él quien decidirá qué música prefiere.

4- Juega con tu hijo con instrumentos musicales: Un piano a pila, una flauta, una pandereta o un xilófono.

5- Juega a crear sonidos con objetos desechables. Con botellas llenas de arroz, con envases de yogur llenos de alubias, etc.

6- Llévalo, siempre que puedas, a un concierto o a un espectáculo musical, o a una presentación de teatro.

7- Juega con tu hijo a juegos como el baile de las sillas o el baile de las estatuas. Y si notas que el interés de tu hijo por la música es algo que va en aumento, puedes inscribirlo a una escuela de música para niños. No te arrepentirás.

Vilma Medina.

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